Entré al teatro esperando no como la película más reciente de Darren Aronofsky. El remolque se había mostrado evasivo; Todo lo que sabía era que Brendan Fraser llevaba un traje protésico para gordos y el título era la ballenaque ya parecía tenso y emanaba una vibra deprimente de Art Film.
El artículo continúa después del anuncio.
Además, todavía no había perdonado totalmente a Aronofsky por ¡Madre!. Pero a medida que se tejía una historia desgarradora y, lo que más me llamó la atención, incluso humorística, la ballena me convenció completamente. Eso me ha dejado luchando con la intensa ira que ha provocado en otros críticos.
la ballena Sigue a un solitario instructor de inglés en línea llamado Charlie (Brendan Fraser), que tiene un sobrepeso extremo y sufre de insuficiencia cardíaca congestiva después de dejar que las cosas «se salieran de control», como él dice, tras la muerte de su compañero. Un joven misionero, Thomas (Ty Simpkins), lo salva de un episodio cardíaco inicial, quien accede al deseo urgente de Charlie de que Thomas lea en voz alta un antiguo ensayo estudiantil sobre Moby Dick para ayudar a reducir los niveles de estrés de Charlie. Liz (Hong Chau), la amiga enfermera de Charlie, predice que Charlie no sobrevivirá el fin de semana.
Mientras se enfrenta a su propia mortalidad, Charlie se embarca en una misión para redimirse ante los ojos de su separada hija adolescente, Ellie (Sadie Sink), que está a punto de suspender la escuela secundaria. Las fortalezas de cada uno de estos actores (la gracia de Fraser, la fogosidad de Sink, la honestidad brutal de Chau, el alma perdida de Simpkins) se combinan entre sí de maneras sorprendentes e ingeniosas, haciendo que las convicciones, frustraciones y anhelos de cada personaje sean aún más apasionados y reales.
Desarrollo del personaje en la ballena se basa en pares: misionero y hereje, ciencia y religión, optimista y pesimista, sobrepeso y bajo peso. En un nivel más fundamental, estos no son dobles en absoluto: cada personaje está librando la misma batalla que Charlie, cada uno con su propio vicio: atracones, evangelismo, alcoholismo, ausentismo escolar. Son versiones diferentes de la misma vieja historia, que añaden profundidad y universalidad a la historia de Charlie. Estas, las verdaderas ballenas de la historia, distraen a los personajes de sus sentimientos de abandono y dolor, de sus búsquedas de amor, honestidad y aceptación.
Al igual que Ahab, Estados Unidos se centra con demasiada frecuencia en los síntomas en lugar de en los problemas reales (que vemos a través de la ola roja en la televisión de Charlie). A medida que se desarrolla la historia, somos testigos de las formas en que el conservadurismo, el cristianismo y un sistema de educación pública fallido se unen para encarnar el aislamiento de una América rural marginada. De una manera profundamente personal, esta película aprovecha sutilmente muchos aspectos de la negligencia social.
la ballena es una verdadera tragedia clásica en el sentido aristotélico/shakesperiano, pero para la era moderna. Si bien a menudo nos hemos conformado con películas sombrías y de una sola nota sobre los males de la sociedad moderna, la ballena eleva la crítica política a la narración operística. Esta película no responderá todas sus preguntas. No te hará sentir cómodo. Y no te permitirá mirar pasivamente. En realidad, la ballena te invita a desenredar los hilos de su propio hilo, a soportar un millón de pequeñas punzadas mientras cada nudo entre estos personajes es cuidadosamente masajeado y deshecho.
Aunque trágico, la ballena evita la fatalidad; pequeños rayos de alegría brillan incluso en los momentos más sombríos. Los personajes logran aprovechar cualquier momento para hacer gracia, para reírse de sí mismos. Mi respuesta emocional a la ballena era similar al de otra versión A24 2022, Todo en todas partes y a la vez—El tipo de película poco común que articula los sentimientos que no podemos expresar a nuestros seres queridos en la vida real sin causar dolor y malentendidos.
Ambientada íntegramente en el apartamento de Charlie, esta película fácilmente podría haber sido claustrofóbica y tan banal como la toma exterior del edificio, pero la sofisticación del diseño del escenario nos lleva a un espacio tan psicológicamente complejo como los estudios de personajes de la película, otorgando a los alrededores de Charlie una cualidad casi mística que presagia el toque de realismo mágico que está por venir.
¿Cómo podría leer artículos como el de Gay y aún así disfrutar de esta película? ¿Cómo podría alguien?
Durante una charla en The Roxy Cinema de Nueva York, Samuel D. Hunter (autor de la obra original y de su adaptación cinematográfica) explicó las alusiones oblicuas al mar que bañan la ballena: las constantes referencias a Moby Dickla lluvia torrencial, los techos manchados de agua, el papel tapiz con forma de olas, la sensación melodiosa de un barco evocada por los movimientos de los personajes y la cámara, las obras de arte náuticas y más. Los detalles del espacio varían de pesados a acogedores, de lúgubres a hogareños: la chimenea, el tono musgoso de las paredes de la sala de estar, el artesonado.
No estamos mirando un espacio tan banal como las tomas exteriores del edificio, estamos en un apartamento que alguien alguna vez trabajó para convertirlo en un hogar. Más tarde, nos enteramos de que detrás de una puerta cerrada hay una habitación encantadora y bien cuidada que una vez compartieron Charlie y su pareja, con una pintura de montañas sobre la cama. La atención al detalle y el contraste del escenario le dan a la película una cualidad mística (quizás presagiando el final) que hace la ballena absolutamente cautivador de ver.
A pesar de toda la belleza y la atención al detalle en el set y su relación intrínseca con Charlie y su cohorte, otros detalles fueron demasiado lejos: me encontré poniendo los ojos en blanco en la enésima vez que la cámara se detiene en el movimiento forzado de Charlie, con movilidad limitada, usando una herramienta de agarre para tratar de alcanzar algo. Aronofsky, que se ha deleitado con las maravillas y los moretones del cuerpo a lo largo de su obra, mira de reojo el cuerpo de Charlie a través de tomas innecesarias que enfatizan sus luchas con el movimiento, amplifican el sonido mientras come y una partitura de terror que realza el físico de Charlie.
Muchos de estos momentos que parecen exagerados en la ballena También son momentos claves de intensidad emocional. Pero para muchos críticos, esa intensidad es inmerecida o va demasiado lejos. Aquí radica la fuente de tensión en la respuesta crítica a la ballena: si bien la actuación de Fraser en particular es impresionante, el controvertido manejo de la gordura junto con un estilo que algunos críticos encontraron exagerado hicieron que la película fuera descartable.
Roxane Gay enumera los peligros y la insensibilidad del enfoque de Aronofsky ante la historia de Charlie en su New York Times revisión, y Buzzfeed News ofrece una historia en profundidad del problema de la dependencia de Hollywood del traje de gordo. Comparando esta crítica esencial con mi respuesta a la película, comencé a preguntarme si una película podría tener mérito y al mismo tiempo ofender. ¿Cómo podría leer artículos como el de Gay (o esta reseña de La conversacióntitulado “la ballena es una película de terror que aprovecha nuestro miedo a la gordura”) ¿y todavía te gusta esta película? ¿Cómo podría alguien?
Aronofsky no puede ser el diablo de La Ballena y Fraser no puede ser su salvador.
Una de las panorámicas más convincentes de la ballena vino de Justin Chang en Los Ángeles Times quien nos recuerda una verdad obvia pero a menudo ignorada de la industria cinematográfica: las películas surgen de procesos colaborativos entre muchas personas. Aronofsky no puede ser el la ballenaEs el diablo y Fraser no puede ser su salvador. Si bien la película finalmente no funcionó para Chang, su punto de vista habla de uno mío: qué o quién está trabajando o no en esta película está inextricablemente vinculado. No podemos tener la actuación estelar de Fraser sin el lenguaje teatral de Hunter o la visión fetichista de Aronofsky.
Al ver la película por segunda vez, presté más atención a los momentos inquietantes que noté la primera vez: el traje de gordo, el alcance forzado, la pista de una banda sonora de una película de terror cuando Charlie se mueve o come, el sonido amplificado de la masticación agresiva de Charlie. Si bien la “crueldad” (como algunos la han llamado) de estos momentos es evidente, tampoco es sencilla. Cada momento representa un punto de tensión creciente y conflicto cada vez más intenso en la película. no estoy convencido la ballena Sería igualmente apasionante emocionalmente sin estos momentos de aumento.
Mientras que una obra de teatro puede basarse únicamente en diálogos ingeniosos y sinceros, una película necesita herramientas cinematográficas para realzar el drama. Puede que eso no sea una justificación suficiente para las tomas del cuerpo imponente de Fraser elevándose sobre nosotros con el crescendo de la música espeluznante, pero los elementos del melodrama que a menudo parecen degradantes en la superficie también pueden proporcionar el medio más poderoso para explorar males e injusticias, a menudo más que películas más preocupadas por la sensibilidad. No es solo eso la ballena toma prestado del horror, el camp y el melodrama para crear intensidad emocional; es que estos momentos también nos piden que analicemos con más atención experiencias que con demasiada frecuencia se pasan por alto o se descuidan.
Si bien es absolutamente necesario mantener la conversación que se desarrolla en las críticas sobre la gordofobia y la responsabilidad, especialmente con respecto a una película que camina sobre la cuerda floja moral, lo frustrante es la falta de reconocimiento del matiz psicológico que se encuentra en el dolor de Charlie por la muerte de su pareja, por su distanciamiento de su familia y cómo esto se conecta de múltiples maneras (positivas y negativas) con su estado físico y su entorno.
Crítica de la ballena se extiende más allá de las cuestiones de avergonzar a la gordura. El matiz psicológico de la película es a menudo cuestionado: ¿tiene matices o es sentimental? ¿Es emocionalmente elaborado, reduccionista y temáticamente inconcluso? Todos los puntos con los que no podría estar más en desacuerdo. La escritura y su intensidad emocional sólo parecen exageradas porque estamos más acostumbrados a ese estilo en el escenario que en el cine, uno de los peligros de la adaptación del escenario a la pantalla. Yo diría que la voluntad de Aronofsky de abrazar estos elementos teatrales (y de presentarlos como cinematográficos) es un mérito suyo.
Aunque el guión tradicional valora los espacios en blanco, prefiero ver una película con mucho que decir, y aprecio que Hunter, junto con la visión de Aronofsky, desafiara las limitaciones del guión para priorizar el desarrollo del personaje por encima de todo. Eso, para mí, fue la gracia salvadora de la película: se trata de personajes que son mucho más profundos que su primera presentación que debemos contemplar las formas injustas en que descartamos a las personas en la primera impresión.
La escritura y su intensidad emocional sólo parecen exageradas porque estamos más acostumbrados a ese estilo en el escenario que en el cine, uno de los peligros de la adaptación del escenario a la pantalla.
Este desafío también aborda la cuestión del sentimentalismo. En una entrevista de 2014 con El AtlánticoLeslie Jameson explora los beneficios de lo sentimental cuando se combina con un trabajo emocional real por parte del espectador: “[When] el arte nos hace sentir profundamente, a menudo de maneras que no podemos explicar, puede haber una especie de segunda etapa de ese sentimiento en la que reflexionamos sobre por qué ocurren esos sentimientos y cómo podrían guiarnos en el futuro”. “Sentimentalismo” puede estar entre las palabras de moda más perniciosas de la crítica. Hay pocas otras palabras que, en su definición, puedan parecer tan benignas y, sin embargo, una vez eliminadas, han realizado el trabajo de una revisión de mil palabras con el pulgar hacia abajo.
Cuestionar si una película se ha ganado las emociones que inspira (o si nos las hemos ganado al verla) es bastante justo, pero ¿no es irónico que una vez que se usa esa palabra, no se hace ningún análisis crítico adicional…